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Richard MerkinGrande peinture de Richard Merkin pour le Harlem Jazz Club, artiste de couverture du New Yorker Magazine1997
1997
À propos de cet article
Richard Marshall Merkin (américain, 1938-2009)
Gladys et Half-Pint
Signé à la main "Merkin" (au centre à droite),
Titre, inscription, date et initiales "GLADYS BENTLEY AND FRANKIE 'HALF-PINT' JAXON 1997/R.M." au verso.
Huile sur toile
37 1/2 x 72 in. (95,3 x 182,9 cm)
encadré 39 1/4 x 74 x 2 in.
Gladys Alberta Bentley (12 août 1907 - 18 janvier 1960) est une chanteuse, pianiste et animatrice de blues américaine de la Renaissance de Harlem. Sa carrière est montée en flèche lorsqu'elle s'est produite au Harry Hansberry's Clam House, un bar clandestin gay bien connu à New York dans les années 1920, en tant qu'artiste noire, lesbienne et travestie. Au début des années 1930, elle était la tête d'affiche du club Up&Up de Harlem, où elle était soutenue par un chœur de drag queens. Elle s'habillait en homme (avec une queue de pie et un chapeau haut de forme), jouait du piano et chantait d'une voix grave et grondante ses propres paroles dévergondées sur des airs populaires de l'époque, tout en flirtant avec les femmes de l'auditoire. Lors du déclin des bars clandestins de Harlem avec l'abrogation de la Prohibition, elle s'est installée dans le sud de la Californie, où elle a été présentée comme "la plus grande pianiste sépia d'Amérique" et "la bombardière brune des chansons sophistiquées". Elle a souvent été harcelée parce qu'elle portait des vêtements masculins. Elle a essayé de poursuivre sa carrière musicale, mais n'a pas eu autant de succès que par le passé. Bentleys était ouvertement lesbienne au début de sa carrière, mais pendant l'ère McCarthy, elle a commencé à porter des robes et s'est mariée, affirmant avoir été "guérie" en prenant des hormones féminines.
Frankie "Half-Pint" Jaxon, né Frank Devera Jackson, était un chanteur de vaudeville, scénographe et comédien afro-américain, populaire dans les années 1920 et 1930. Il est né à Montgomery, en Alabama, est devenu orphelin et a grandi à Kansas City, dans le Missouri. Son surnom de "Half Pint" (demi-pinte) fait référence à sa taille d'un mètre cinquante. Il a débuté dans le show-business vers 1910 en tant que chanteur à Kansas City, avant de voyager beaucoup avec des spectacles de médecine au Texas, puis de faire une tournée sur la côte est. Sa voix féminine et ses manières scandaleuses, souvent en tant qu'imitateur de femme, ont fait de lui l'un des favoris du public. En 1917, il commence à travailler régulièrement à Atlantic City, dans le New Jersey, et à Chicago, souvent avec des artistes tels que Bessi Smith et Ethel Waters, dont il participe à la mise en scène.
Il a servi un peu moins d'un an dans l'armée américaine en 1918-1919 et a atteint le grade de sergent. À la fin des années 1920, il chante avec les meilleurs orchestres de jazz lorsqu'ils passent par Chicago, travaillant avec Bennie Moten, King Oliver, Freddie Keppard et d'autres. Il se produit et enregistre avec les pianistes Cow Cow Davenport, Tampa Red et "Georgia Tom" Dorsey, enregistrant avec ce dernier sous le nom de The Black Hillbillies. Il a également enregistré avec les Harlem Hamfats. Dans les années 1930, il passe souvent à la radio dans la région de Chicago et dirige son propre groupe, intitulé Frankie "Half Pint" Jaxon and His Quarts of Joy. Jaxon apparaît avec Duke Ellington dans un court métrage intitulé Black and Tan (1929), et avec Bessie Smith dans "St. Louis Blues" (1929). La chanson "Minnie the Moocher" (1931) de Cab Calloway s'inspire, tant sur le plan musical que lyrique, de la chanson "Willie the Weeper" (1927) de Jaxon.
Richard Merkin, parfois décrit comme l'artiste new-yorkais le plus célèbre de Rhode Island, mène une double vie depuis près de 40 ans : il enseigne à la RISD tout en menant une célèbre carrière de peintre à New York. Il a participé à d'innombrables expositions dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger et figure dans les collections permanentes de la Smithsonian Institution, du Museum of Modern Art, du Whitney Museum, du RISD Museum et de bien d'autres. Outre ses dessins et peintures pour le New Yorker (avec Art Spiegelman, Saul Steinberg, Harper's, le New York Times Sunday Magazine et plusieurs livres sur l'érotisme et le base-ball, il est rédacteur pour Vanity Fair et ancien chroniqueur de style pour GQ. Merkin a notamment reçu une bourse de la Fondation Tiffany et le prix de la Fondation Rosenthal de l'Académie américaine des arts et des lettres.
Musées et collections sélectionnées :
The American Federation of Arts, New York, NY
Musée de Brooklyn, Brooklyn, NY
Musée d'art Chrysler, Norfolk, VA
First city Bank, Chicago, Ill
Fisk University Art Gallery (a) Gallery, Nashville, TN
Hallmark Collections, Kansas City, MO
Institut de technologie du Massachusetts, Cambridge, MA
Maimi-Dade Junior College, Miami, FL
Université de l'État du Michigan, East Lansing, MI
Musée d'art du Minnesota, Minneapolis, MN
Musée d'art moderne, New York, NY
Musée d'art, Rhode Island School of Design, RI
Musée McClung, Université du Tennessee, Knoxville, TN
Académie des arts de Pennsylvanie, Philadelphie PA
Prudential Insurance Company, Boston, Ma
Prudential Insurance Company, Newark, NJ
Rose Art Museum, Université Brandeis, Waltham, MA
Fondation Sara Robey, New York, NY
Smithsonian Institution, Washington, DC
Université d'État de Brockport, Brockport, NY
Whitney Museum of American Art, New York, NY
Publications choisies :
1986-présent Rédacteur collaborateur, Vanity Fair ..1988-présent, New Yorker .... Depuis 1988, chronique de style, GQ...1997, texte et illustration pour The Tijuana Bibles, publié par Simon & Shuster, 1995, livre illustré, Leagues Apart : the Men and Times of the Negro Baseball Leagues publié par Morrow.
1967 Couverture des Beatles "Sgt. Album "Peppers Lonely Hearts Club Band" (M. Merkin apparaît au dernier rang, à droite du centre)
RISD : MFA en peinture, 1963 ; professeur au département de peinture
compétence particulière : Fusionnant son rôle de flaneur (connaisseur de la vie urbaine) avec son rôle de peintre et d'historien social, Merkin récupère des artefacts culturels perdus - une cigarette turque, un gangster, un melon et généralement "des choses que la plupart des gens ne connaissent pas" - et reconstitue leurs vertus de l'âge du jazz sur la toile dans des paysages cubistes et comiques aux couleurs tropicales (à la manière de Robert Crumb et de Ben Katchor).
L'entrée en scène : Perpétuellement en mouvement depuis ses origines bourgeoises de Brooklyn, &New a trouvé l'échappatoire parfaite au milieu des années 60 en la personne de George Frazier, un chroniqueur pimpant de Boston qui a inspiré le peintre new-yorkais émergent à se réinventer du jour au lendemain. Les éléments de structure, de stabilité et de surprise qu'il admirait chez ce dandy bien habillé - un costume de lin frais, un soupçon de bretelles, une écharpe à pois et une canne à poignée perlée - ont rapidement fait surface dans des tableaux peuplés d'irréprochables marginaux de la société des cafés, ainsi que de ses héros pop personnels : William Burroughs, Bobby Short et Krazy Kat. Il était également un ami du romancier Tom WOLFS et a été influencé par l'artiste R.B. Kitaj
- Créateur:Richard Merkin (1938 - 2009, Américain)
- Année de création:1997
- Dimensions:Hauteur : 99,7 cm (39,25 po)Largeur : 187,96 cm (74 po)Profondeur : 5,08 cm (2 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:usure mineure, bien visible.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38212146352
Richard Merkin
L'œuvre de Richard Merkin (1938 - 5 septembre 2009) évoque des scènes qui renvoient à l'esprit tapageur des années 1920, 1930 et 1940. Dans ses illustrations pleines d'esprit et souvent excentriques, Merkin représente des stars de cinéma, des musiciens de jazz, des héros sportifs et des imprésarios littéraires qui se mêlent à des références plus personnelles. Dans son approche très stylisée de la figure, Merkin privilégie les relations entre les couleurs, l'équilibre et la juxtaposition plutôt que les descriptions strictement littérales de ses sujets. Et l'humour ; il y a toujours de l'humour.
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Dans cette peinture, Joseph Wolins utilise des couleurs vibrantes et complémentaires et des coups de pinceau brisés.
M. Wolins est né à Atlantic City, dans le New Jersey. Il a étudié à la National Academy of Design de 1935 à 1941 sous la direction de Leon Kroll. Il a également étudié en Europe en et a été particulièrement influencé par les peintres italiens Piero della Francesca, Mantegna et Giotto. Son œuvre est également marquée par l'influence du cubisme et du surréalisme.
L'exposition de Paris de 1937 a offert une occasion unique d'étudier la peinture européenne moderne. Artistics était l'un des artistes de la région de New York associés à la WPA. Projet artistique, 1935-1941. Considéré comme un "artiste de l'artiste", il a poursuivi ses essais et expérimentations en peinture pendant les cinq années suivantes, ce qui l'a amené à participer à des expositions collectives. Wolins a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives (la première exposition individuelle a eu lieu à la Contemporary Art Gallery de New York, en 1947). Il a également exposé à l'Exposition universelle...
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Abram Krol s'est rendu en France en 1938 pour étudier le génie civil à l'université de Caen. En 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, il s'engage dans la Légion étrangère. Après sa démobilisation, il devient mécanicien dans un garage d'Avignon. Bien que juif, il a survécu à la guerre avec une fausse identité. En 1943, Krol a commencé à étudier pour devenir un artiste, en suivant des cours de sculpture à l'école des beaux-arts de la ville. Il commence également à étudier la peinture et se décrit lui-même comme un "peintre du dimanche". Krol s'est installé à Paris en 1944.
La première exposition de ses œuvres a eu lieu en 1946 à la galerie Katia Granoff à Paris.
Après la guerre, Krol se lance dans la gravure, qu'il étudie avec un graveur rencontré à Paris. Krol a reflété son enfance hassidique en utilisant souvent des thèmes bibliques dans ses œuvres d'art.
Il a dit : " Pendant toutes mes années d'enfance, j'ai lu la Bible sans fin. Je suis revenu à la Bible parce que j'y étais sur un terrain solide. Cela faisait partie de l'affirmation de ma propre vérité après une période de complaisance. Il me semblait qu'en peinture ou en gravure, il y avait tant d'écueils à éviter, tant de possibilités d'échec, que je devais mettre toutes les chances de mon côté pour faire ce que je pouvais - dire ce que j'avais à dire.
Krol a illustré plus de 20 œuvres littéraires de la fin des années 1940 aux années 1960. Il a également gravé des médailles pour l'hôtel des monnaies de Paris et peint des peintures murales pour des écoles en France. Il a conçu des tapisseries et peint environ 200 émaux. Parmi les musées et les bibliothèques qui possèdent des œuvres de Krol figurent la Bibliothèque nationale de Paris, le Victoria and Albert Museum de Londres, le British Museum, la Houghton Library de Harvard, la Bodleian Library d'Oxford et le Palace of the Legion of Honor de San Francisco. Krol a présenté de nombreuses expositions personnelles en Europe, au Brésil et en Californie. En 1960, Krol est invité à la Biennale de Venise. Il a reçu le prix de la critique en 1958. Il a également remporté le prix Feneon, entre autres distinctions. Krol est décédé le 9 octobre 2001.
L'Ecole de Paris n'est pas un mouvement ou une institution artistique unique, mais fait référence à l'importance de Paris en tant que centre de l'art occidental dans les premières décennies du 20e siècle. Entre 1900 et 1940, la ville a attiré des artistes du monde entier et est devenue un centre d'activité artistique. L'expression "école de Paris" a été utilisée pour décrire cette communauté informelle, en particulier d'artistes non français, centrée sur les cafés, les salons et les espaces de travail et galeries partagés de Montparnasse. Avant la Première Guerre mondiale, un groupe d'expatriés à Paris a créé des œuvres d'art dans les styles du post-impressionnisme, du cubisme et du fauvisme. Le groupe comprenait des artistes tels que Pablo Picasso, Marc Chagall, Amedeo Modigliani et Piet Mondrian. Parmi les artistes français associés, citons Pierre Bonnard, Henri Matisse, Jean Metzinger et Albert Gleizes.
L'expression "École de Paris" a été utilisée en 1925 par André Warnod pour désigner les nombreux artistes d'origine étrangère qui avaient migré à Paris. Le terme s'est rapidement imposé, souvent comme une étiquette péjorative pour les critiques qui voyaient dans les artistes étrangers - dont beaucoup étaient juifs - une menace pour la pureté de l'art français. Le critique d'art Louis Vauxcelles, connu pour avoir inventé les termes "fauvisme" et "cubisme", Waldemar George, lui-même juif français, a déploré en 1931 que le nom d'École de Paris "permette à n'importe quel artiste de prétendre qu'il est français. il se réfère à la tradition française mais l'anéantit au contraire".
Les artistes travaillant à Paris entre la Première et la Seconde Guerre mondiale ont expérimenté différents styles, dont le cubisme, l'orphisme, le surréalisme et DADA. Parmi les artistes étrangers et français travaillant à Paris, citons Jean Arp, Joan Miro, Constantin Brancusi, Raoul Dufy, Tsuguharu Foujita, des artistes biélorusses comme Michel Kikoine, Pinchus Kremegne et Jacques Lipchitz, l'artiste polonais Marek Szwarc et d'autres comme le prince d'origine russe Alexis Arapoff.
Un sous-ensemble important, les artistes juifs, est connu sous le nom d'École juive de Paris ou d'École de Montparnasse. Les membres du noyau dur étaient presque tous juifs, et le ressentiment exprimé à leur égard par les critiques français dans les années 1930 était incontestablement alimenté par l'antisémitisme. Les membres juifs du groupe comprenaient Emmanuel Mané-Katz, Chaim Soutine, Adolphe Féder, Chagall, Moïse Kisling, Maxa Nordau...
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