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Johannes HaenschPaysage de guerre rouge en fleurs avec un soldat mort - Fleurs bleutées1918
1918
À propos de cet article
Johannes Friedrich Heinrich Hänsch (1875-1945), Paysage de guerre en fleurs rouges avec un soldat mort, 1918. Aquarelle et gouache sur papier, 15 x 24,5 cm (image), 27 x 37 cm (format de la feuille / cadre), monogrammé et daté "19JH18" en bas à gauche.
- Papier légèrement noirci
À propos de l'œuvre d'art
Malgré son format relativement petit, l'aquarelle avec cadre interne représente une vue panoramique d'un paysage plat s'étendant jusqu'à l'horizon. À perte de vue, les coquelicots fleurissent en rouge flamboyant. Les fleurs ne sont cependant pas rendues individuellement, créant une surface rouge presque cohérente. Le rouge vif est entrecoupé de vert végétal. Un contraste complémentaire qui crée un effet de couleur intense. Dans ce contraste de couleurs, une zone blanche se détache du milieu du terrain, s'élargit vers le premier plan et entoure un trou brun. À côté, en bleu, se trouve le véritable protagoniste du tableau, la première chose qui attire l'attention : un soldat mort. À côté de lui se trouve son casque, dont l'intérieur est vide. La forme brune et creuse correspond au trou dans le sol. Un entonnoir d'obus est entouré de cendres vives qui, comme le casque inversé, deviennent un signe de mort. Les bras du soldat renvoient à l'entonnoir, tandis que le casque vide paraphrase la calotte crânienne et, comme l'entonnoir, thématise l'obscurité vide de la mort.
Le corps du soldat est cependant intact et non pas - comme dans le triptyque "La guerre" d'Otto DIX - un cadavre démembré. Au contraire, Johannes Hänsch active le paysage, en particulier la couleur, pour illustrer un paysage de mort fleuri qui s'étend de l'entonnoir d'obus au premier plan à la colonne de fumée qui s'élève à l'horizon. Si le corps du soldat est intact, l'enchevêtrement de fils barbelés placé emblématiquement au-dessus du casque vide apparaît lui aussi en lambeaux. Sur la droite de l'image, le fil de fer barbelé semble même tendre les bras vers le ciel en signe d'horreur. Dans le contexte de cette allégorie, le contenu du rouge vif devient également clair : le paysage est baigné de sang, littéralement une mer de sang, et le seul soldat inconnu représente pro toto tous ceux qui sont morts sur le champ de bataille. Mourir à la guerre, ce n'est pas mourir en communauté, c'est mourir dans la solitude. Afin de souligner l'isolement dans la mort, Johannes Hänsch a placé le bleu du soldat dans l'axe donné par son corps au milieu de l'image, dans la mer rouge.
Maître de la peinture de paysage, Hänsch réussit à créer une allégorie paysagère d'apparence naturelle qui illustre l'horreur et la mort de la guerre, sans dépeindre la brutalité de la guerre elle-même. Ce "monument de guerre" singulier du soldat inconnu est à l'opposé de l'héroïsation et pourtant la dignité du soldat décédé est préservée par l'intégrité de son corps.
A propos de l'artiste
Fils du sculpteur Adolf Haensch, le jeune Johannes a reçu sa première formation artistique dans l'atelier berlinois de son père. Il décide cependant de devenir peintre et entre en 1897 à l'Académie des arts de Berlin. Il a d'abord étudié avec Paul Vorgang et Eugen Bracht, et a été particulièrement influencé par les paysages de plus en plus colorés de Bracht. En 1901, il rejoint la classe de Friedrich Kallmorgen, avec qui il passe plusieurs semaines à faire des excursions dans la Nature. En 1905, il devient l'élève d'Albert Hertel, qui lui enseigne l'aquarelle.
De 1903 à 1933, il a exposé chaque année à la grande exposition d'art de Berlin, aux expositions de l'association des artistes berlinois et au Glaspalast de Munich. En 1905, il a reçu le prix Carl Blechen. De 1917 à sa mort en 1945, il passe chaque année en Silésie, où il loue un studio à Seitendorf an der Katzbach. Il voyageait également presque chaque année pour peindre dans les monts Métallifères, à Merano et dans la mer du Nord et la mer Baltique. Mais il est également resté fidèle au paysage brandebourgeois, qu'il a peint - avec Walter Leistikow - d'une manière totalement nouvelle, ce qui lui a valu le surnom de "peintre du paysage de Märkische".
Bibliographie sélective
Barbara Maennig : Landschaften des Berliner Meisterschülers Johannes Hänsch (1875-1945). Ein Weg zur deutschen Landschaftsmalerei im Spannungsfeld akademischer Lehre und künstlerischer Ansätze der Moderne, Berlin 2003.
Jelena Jamaikina (Hrsg.) : Wanderungen durch die Mark. Der Maler Johannes Hänsch 1875-1945, Schwielowsee 2015.
Alexander Römer (Hrsg.) : Zwischen Meeresbrandung und Wolkentreiben. Johannes Hänsch à Sylt. Dresde 2017.
Richard Beetz : Johannes Hänsch in Schlesien - Der Berliner Landschaftsmaler und seine zweite Heimat, Schwielowsee 2021.
Merci de votre intérêt ! J'espère avoir pu vous expliquer le caractère particulier de l'œuvre d'art. Si vous avez des questions de quelque nature que ce soit, n'hésitez pas à me contacter.
Je vous souhaite encore beaucoup de découvertes dans le domaine de l'art,
Dr Martin Kirves
VERSION ALLEMANDE
Johannes Friedrich Heinrich Hänsch (1875-1945), Rot blühende Kriegslandschaft mit totem Soldaten, 1918. Aquarelle et gouache sur papier, 15 x 24,5 cm (Darstellung), 27 x 37 cm (Blattgröße / Rahmen), links unten monogrammiert und datiert "19JH18".
- Papier leicht nachgedunkelt
zum Werk
En raison de son format relativement petit, l'Aquarell panoramique, qui est installé dans une cabine de douche, offre un paysage très plat jusqu'à l'horizon. L'aube est à peine visible que la lune s'illumine d'un rouge flamboyant. Les couleurs ne sont donc pas traitées séparément, de sorte qu'il en résulte une gamme de couleurs nahezu zusammenhänge. Le rouge luisant est remplacé par un vert végétal. Un contraste complémentaire, qui produit un effet de distorsion intense. Dans ce contraste de couleurs, un Braun de couleur bleu clair apparaît à l'arrière, dans la partie médiane, et un Loch bleu apparaît à l'avant, dans la partie arrière, dans la partie inférieure. C'est dans le bleu que se trouve le protagoniste authentique de l'œuvre, qui, lors de l'interprétation, se retrouve au premier plan : Ein toter Soldat. A côté de lui, il faut voir son casque, dont l'intérieur pauvre s'est détaché. La forme harmonieuse de l'image s'inscrit dans le cadre du lac de Braun. Ein von heller Asche umgebener Granattrichter, der - wie der umgekehrte Helm - zum Zeichen des Todes wird. Die Arme des Soldaten weisen auf den Trichter, während der leere Helm die Schädelkalotte paraphrasiert und, wie der Trichter, das leere Dunkel des Todes thematisiert.
Der Körper des Soldaten ist allerdings unversehrt und nicht - wie bei Otto Dix' Triptychon "Der Krieg" - ein zerstückelter Kadaver. Dès lors, Johannes Hänsch a activé le paysage et surtout la luminosité, afin de créer un paysage de montagne bleuâtre qui s'étend de l'avant à l'arrière jusqu'à l'horizon, en passant par le granatrichter. Si le corps du soldat n'est pas renversé, l'emblème de la croix de Stacheldraht sur la partie gauche du casque se transforme en une croix de Stacheldraht. Rechts im Bild scheint der Stacheldraht gar vor Entsetzen 'die Arme' zum Himmel auszustrecken. Pour l'arrière-plan de cette allégorie, il faut aussi tenir compte de la valeur des points lumineux : Le paysage est couvert de sang, il s'agit en fait d'une mer de sang et le soldat unique, qui n'a pas été baptisé, est considéré comme une victime à part entière du spectacle. La guerre n'est pas une guerre d'association, mais une guerre d'isolement. Afin d'assurer le succès de l'opération au lendemain de la guerre, Johannes Hänsch a fait disparaître le bleu des soldats dans la partie de la mer rouge occupée par son corps.
En tant que maître de la métallurgie du paysage, Hänsch s'est efforcé de créer une théorie du paysage qui soit tout à fait naturelle et qui permette de réparer les dégâts et les dommages causés par les guerres, tout en évitant la brutalité des guerres elles-mêmes. Ce singulier "Kriegerdenkmal" des soldats non reconnus est le résultat d'une héroïsation et, de ce fait, la volonté des soldats victimes de l'injustice de leur père est mise à mal.
zum Künstler
En tant que Sohn des Bildhauers Adolf Hänsch, le jeune Johannes reçoit sa première formation artistique dans l'atelier berlinois de son père. Il s'engage à devenir un artiste et entreprend en 1897 des études à l'Académie des beaux-arts de Berlin. Il a d'abord étudié avec Paul Vorgang et Eugen Bracht, et a surtout profité de l'expérience d'Eugen Bracht dans le domaine des arts de la terre. En 1901, il entre dans la classe de Friedrich Kallmorgens, avec qui il entreprend de nouvelles excursions dans la Nature. En 1905, il est devenu le maître de cérémonie Albert Hertels, qui lui a enseigné l'art de l'aquarelle.
Depuis 1903, il a participé jusqu'en 1933 à la Große Berliner Kunstausstellung, aux expositions du Vereins Berliner Künstler et au Münchner Glaspalast. En 1905, il a reçu le prix Carl-Blechen. De 1917 à 1945, il s'est installé en Schlesien, où il a créé un atelier à Seitendorf an der Katzbach. Ebenfalls nahezu jährlich reist er zum Malen ins Erzgebirge, nach Meran und an die Nord- und Ostsee. Er bleibt aber auch der Brandenburger Landschaft treu, die er - parallel mit Walter Leistikow - künstlerisch ganz neu ins Bild setzt, was ihm den Beinamen "Maler der märkischen Landschaft" eingetragen hat.
Auswahlbibliographie
Barbara Maennig : Landschaften des Berliner Meisterschülers Johannes Hänsch (1875-1945). Ein Weg zur deutschen Landschaftsmalerei im Spannungsfeld akademischer Lehre und künstlerischer Ansätze der Moderne, Berlin 2003.
Jelena Jamaikina (Hrsg.) : Wanderungen durch die Mark. Der Maler Johannes Hänsch 1875-1945, Schwielowsee 2015.
Alexander Römer (Hrsg.) : Zwischen Meeresbrandung und Wolkentreiben. Johannes Hänsch à Sylt. Dresde 2017.
Richard Beetz : Johannes Hänsch in Schlesien - Der Berliner Landschaftsmaler und seine zweite Heimat, Schwielowsee 2021.
Merci beaucoup pour votre intérêt ! Ich hoffe, ich habe Ihnen den besonderen Charakter des Kunstwerks näherbringen können. Pour toute question d'ordre général, je vous invite à me contacter.
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Dr. Martin Kirves
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- en bon état
- La sensualité de la mer Baltique -
À propos de l'œuvre d'art
Cette grande aquarelle représente une vue de la mer Baltique. Du haut d'une dune, nous observons la mer légèrement agitée, avec des vagues écumantes qui se brisent sur le rivage. La vue est encadrée par des pins en forme de vent, les "wind dodgners" éponymes. Les arbres, cependant, sont bien plus présents que le simple cadrage de la vue ; ils sont tellement présents dans l'image qu'ils en deviennent le motif principal. Avec un coup de pinceau virtuose, Scheerbaum a rendu les arbres dans leur aspect caractéristique. Nous voyons les troncs brun-rouge, les branches avec leurs rameaux en filigrane façonnés par le vent constant au cours de leur croissance et, plus impressionnant encore, les aiguilles qui bougent dans le vent. On entend le vent murmurer dans les arbres, accompagné du son rythmé des vagues qui se brisent et des cris des mouettes qui tournoient au-dessus. Même le passage du vent dans les herbes des dunes devient tangible, tandis que dans le ciel se déroule le spectacle des nuages.
Les impressions de couleur nous emmènent également vers la mer Baltique : Le brun-rouge et le vert foncé des pins, combinés au vert plus pâle et au brun des herbes, sont aussi caractéristiques que le chatoiement bleu-vert de la mer, dont la couleur s'harmonise avec celle du ciel et du sable. Pour renforcer l'impression de sable, l'artiste a choisi un papier jaunâtre, dont le ton de base caractérise l'ensemble de la scène.
Theodor Scheerbaum a capturé le paysage marin dans toute sa sensualité, créant ainsi une représentation picturale de la mer Baltique. Directement devant nous, des traces presque soufflées dans le sable nous invitent à pénétrer dans ce paysage emblématique de la mer Baltique.
VERSION ALLEMANDE
Theodor Scheerbaum (1897 Reichenbach im Vogtland), Windflüchter an der Ostsee, Aquarell auf starkem gelblichem genarbtem Papier, 44 x 56 cm, links unten mit "Th[eodor] Scheerbaum" handsigniert und auf "1955" handdatiert. Rückseitiger Provenienzvermerk. Les pages de montage sont en grande partie des pages de montage originales, avec un dessin de la main.
- en bon état
- La beauté de l'Ostsee -
zum Kunstwerk
L'aquarelle grand format offre une vue sur l'océan. D'un côté de la vallée, nous nous dirigeons vers la mer peu agitée et ses eaux schäumend am Stand auslaufenden. Le regard porté sur les reliefs éoliens, c'est-à-dire sur les flots de vent qui portent leur nom, est particulièrement intéressant. Les corps sont cependant beaucoup plus prégnants que les autres, ils sont tellement présents dans l'image qu'ils en deviennent un motif de prédilection. Scheerbaum a mis en scène, avec une virtuosité de la main, les Bäume dans leurs caractéristiques propres. On y voit les formes en relief, les formes du vent dans sa force, les formes des âges avec leurs parties filigranes et, ce qui est particulièrement frappant, la force du vent qui se déplace. Nous nous laissons porter par le vent, qui souffle dans les creux de la montagne, et nous nous laissons guider par les rythmes de la pluie et de la neige des hommes qui sont encore plus rares. C'est seulement lorsque le vent passe...
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