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Adolf Arthur DehnAdolf Dehn, Scène haïtienne A, peinture signée, Associated American Artists, années 1950ca. 1951
ca. 1951
À propos de cet article
Adolf Arthur Dehn
Scène haïtienne A, vers 1951
Aquarelle gouache sur carton
Signé au recto
Cadre inclus : tenu dans un cadre moderne vintage
Mesures :
Encadré :
11 pouces verticaux par 13 pouces horizontaux par 0,75
Peinture
4,5 pouces par 6 pouces
Aquarelle gouachée, signée à la main ; encadrée avec l'étiquette de la AAA Gallery au verso
Signé au recto et portant l'étiquette originale au verso de la galerie de longue date de Dehn, la prestigieuse Associated American Artists Gallery, New York City.
Provenance
Artistes américains associés
Cadre inclus : dans un cadre d'époque avec l'étiquette d'origine en guise de provenance.
Dehn, artiste et enseignant influent (et auteur du manuel de référence de son époque sur la peinture à l'aquarelle) a rejoint la galerie Associated American Artists en 1941. Bien que cette peinture ne soit pas datée, elle se situe probablement au début des années 1950, car en 1951, Dehn a obtenu une bourse Guggenheim qui lui a permis de se rendre en Haïti - le sujet de cette œuvre. Elle fait partie d'une série inspirée par la visite de Dehn en Haïti.
Dehn, artiste et enseignant influent (et auteur du manuel de référence de son époque sur la peinture à l'aquarelle) a rejoint la galerie Associated American Artists en 1941. Bien que cette peinture ne soit pas datée, elle se situe probablement au début des années 1950, car en 1951, Dehn a obtenu une bourse Guggenheim qui lui a permis de se rendre en Haïti.
ADLOF DEHN
Adolf Dehn, aquarelliste et graveur américain, 1895-1968
Adolf Dehn est un artiste qui a atteint des sommets artistiques extraordinaires, mais dans un domaine artistique très particulier - non pas tant dans la peinture à l'huile que dans l'aquarelle et la lithographie. Longtemps reconnu comme un maître par les collectionneurs sérieux d'estampes, il gagne peu à peu la reconnaissance d'une figure notable et influente dans l'histoire globale de l'art américain.
Au XIXe siècle, avec l'invention de la presse rotative, qui a permis d'énormes tirages, et le développement des magazines populaires, l'illustration des journaux et des magazines est devenue un domaine artistique à part entière, souvent étonnamment séparé du monde des musées et des expositions d'art, et qui reste aujourd'hui étonnamment négligé par la plupart des historiens de l'art. À bien des égards, Dehn est issu de ce monde, même si c'est d'une manière inhabituelle puisque, jeune homme, il réalise la plupart de ses travaux d'illustration non pas pour des magazines populaires, comme The Saturday Evening Post, mais plutôt pour des revues radicales, comme The Masses ou The Liberator, ou des "petits magazines" artistiques tels que The Dial. Ce contexte a jeté les bases de sa vision des choses et a conduit plus tard à sa contribution unique et distinctive à l'art graphique américain.
S'il y a une qualité distinctive à son travail, c'est son habileté à introduire des effets inhabituels de tonalité et de texture dans son travail, en particulier dans la gravure, mais aussi dans l'aquarelle. Jackson Pollock semble avoir été l'un des nombreux artistes notables qui ont été influencés par ses techniques.
Premières années, 1895 - 1922
Pour un artiste dont on se souvient surtout des scènes de Vienne et de Paris, le parcours d'Adolf Dehn est surprenant. Né à Waterville, Minnesota, le 22 novembre 1895, Dehn était le descendant de fermiers qui avaient émigré d'Allemagne et s'étaient installés dans la région, d'abord dans une cabane en rondins d'une seule pièce avec un sol en terre battue. Le père d'Adolf, Arthur Clark Dehn, était un chasseur et un trappeur qui s'enorgueillissait de n'avoir d'autre patron que lui-même et qui n'avait que peu d'intérêt pour l'art. En effet, pendant l'enfance d'Adolf, les murs de sa chambre et l'espace sous son lit étaient remplis de peaux de visons, de rats musqués et de mouffettes que son père avait tués, dépecés et étendus sur des planches de séchage. C'est la mère d'Adolf, Emilie Haas Dehn, membre fidèle de l'Église évangélique luthérienne allemande, qui a encouragé son intérêt pour l'art, qui s'est manifesté dès l'enfance. Les deux parents étaient d'ardents socialistes et des partisans d'Eugene Debs. À bien des égards, les réalisations artistiques ultérieures de Dehn ont été une réaction à la pauvreté rurale de son enfance.
Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires en 1914, à l'âge de 19 ans - un âge qui n'était pas inhabituel dans les communautés agricoles de l'époque, où la fréquentation scolaire était souvent irrégulière -, Dehn a fréquenté de 1914 à 1917 l'école d'art de Minneapolis, dont le caractère reflétait fortement celui de son directeur, Robert Kohler, formé à Munich, conservateur sur le plan artistique mais radical sur le plan social. Là, Dehn a rejoint un groupe d'étudiants qui ont poursuivi des carrières importantes au niveau national, notamment Wanda Gag (plus tard auteur de livres pour enfants à succès) ; John Flanagan (sculpteur remarquable pour son utilisation de la taille directe), Harry Gottlieb (peintre réaliste et membre de la Woodstock Art Coloni), Elizabeth Olds (graveuse et administratrice de la WPA), Arnold Blanch (peintre de paysages, de natures mortes et de figures, et membre du groupe Woodstock), Lucille Lunquist, plus tard Lucille Blanch (également peintre de talent et fondatrice de la Woodstock Art Colony), et Johan Egilrud (qui est resté à Minneapolis et est devenu journaliste et poète).
Adolf est devenu particulièrement proche de Wanda Gag (1893-1946), avec laquelle il a établi une relation intense mais platonique. De deux ans son aînée, Gag est la fille d'un artiste et décorateur bohémien, Anton Gag, décédé en 1908. Après la mort de son mari, la mère de Wanda, Lizzi Gag, s'est retrouvée invalide, et Wanda s'est vue confier la tâche d'élever et de soutenir financièrement ses six jeunes frères et sœurs. Cela lui a permis d'acquérir de la perspicacité et de l'indépendance, mais néanmoins, lorsqu'elle a rencontré Wanda, celle-ci était victorienne et conventionnelle dans ses goûts artistiques et ses valeurs sociales. Dehn, plus radical socialement, lui fait découvrir des idées radicales sur la politique et l'amour libre, ainsi que des publications socialistes telles que The Masses et The Appeal to Reason.
N'ayant jamais été très intéressé par la peinture à l'huile, Dehn s'est concentré à Minneapolis sur la caricature et l'illustration, souvent à caractère humoristique ou politiquement radical. En 1917, Dehn et Wanda obtiennent tous deux une bourse pour suivre les cours de l'Art Students League et s'installent donc à New York à l'automne de la même année. L'éducation artistique de Dehn prend cependant fin à l'été 1918, peu après l'entrée des États-Unis dans la Première Guerre mondiale, lorsqu'il est appelé à servir dans l'armée américaine. Ne voulant pas se battre, il demande le statut d'objecteur de conscience, mais il est d'abord emprisonné, puis mis à l'écart dans un semi-emprisonnement avec d'autres pacifistes, jusqu'à la fin de la guerre. Les abus qu'il a subis à cette époque pourraient bien expliquer qu'il ait ensuite renoncé à prendre des positions politiques ou à faire de l'art de nature ouvertement politique. Après sa libération de l'armée, Dehn retourne à New York où il tombe sous le charme du caricaturiste radical Boardman Robinson et réalise ses premières lithographies. Il a également consommé sa relation sexuelle avec Wanda Gag.
Les années en Europe : 1922-1929
En septembre 1921, cependant, il part brusquement pour l'Europe, arrivant à Paris et se rendant ensuite à Vienne. C'est là qu'au cours de l'hiver 1922, il tombe amoureux d'une danseuse russe, MURA, mettant ainsi fin à sa relation de sept ans avec Wanda Gag. MURA et lui se sont mariés en 1926. C'est également à Vienne qu'il a produit sa première œuvre artistique notable.
Influencé par des artistes européens tels que Jules Pascin et Georg Grosz, Dehn a commencé à produire des dessins de personnes dans des cafés, des rues et des parcs, qui, bien qu'exécutés pour la plupart dans son Studio, étaient basés sur des études de vie spontanées et avaient une qualité de trait expressive, parfois presque enfantine. Le mélange de sophistication et de naïveté de ces dessins était nouveau pour le public américain, tout comme le caractère racoleur de leur sujet, qui mettait souvent en scène des personnes en quête de plaisir, des prostituées ou des scènes d'ébats sexuels, présentées avec un fort élément de caricature. Certains de ces dessins contiennent un élément de critique sociale, qui rappelle celui que l'on trouve dans l'œuvre de George Grosz, bien que l'œuvre de Dehn ait tendance à se concentrer sur des commentaires humoristiques plutôt que d'attaquer sauvagement ses sujets ou de faire une déclaration politique partisane.
Beaucoup d'Américains, y compris des partisans de Dehn comme Boardman Robinson, sont choqués par ces dessins européens, bien que George Grocz (qui devient un ami de l'artiste à cette époque) les admire et reconnaisse que Dehn peut aussi apporter une nouvelle vision aux sujets américains. Comme il l'a dit à CanI : "Vous ferez en Amérique des choses qui n'ont pas été faites, qui doivent être faites, que vous seul pouvez faire - pour autant du moins que je connaisse l'Amérique".
Un facteur clé de l'évolution artistique de Dehn à cette époque est son association avec Scofield Thayer, l'éditeur du magazine d'art et de poésie moderniste le plus remarquable de l'époque, The Dial. Thayer, qui se trouve à Vienne pour se faire analyser par Freud, engage Dehn pour lui servir de secrétaire et d'assistant, et pour superviser un portefeuille de reproductions d'œuvres d'art moderne - un projet qui donne à Dehn l'équivalent d'un cours de troisième cycle sur l'art moderne le plus avancé produit en Europe à l'époque. Le poète et peintre E. E. Cummings, camarade de classe de Thayer à Harvard, comptait parmi ses amis à cette époque.
Dehn réalise également des lithographies, à partir de 1922, en travaillant à la fois avec un graveur berlinois virtuose, Meister Schulz, et un maître imprimeur parisien, Desjobert. C'est dans ce domaine qu'il a sans doute produit l'œuvre la plus influente de sa carrière - des lithographies dans lesquelles il s'est éloigné du simple dessin au crayon de couleur et a introduit une variété d'effets texturaux inhabituels, tels que le frottement, l'effacement et le grattage, avec une variété d'outils allant de la lame de rasoir au papier de verre, ainsi que l'utilisation de lavis et de lavis d'encre (connus sous le nom de "tusche") pour créer des effets de tonalité générale. Comme Dehn lui-même l'a expliqué plus tard :
Lorsque j'ai commencé à dessiner sur la pierre, il n'existait qu'une seule manière traditionnelle de réaliser une lithographie. C'est l'approche du puriste. L'ordre et la surface lisse étaient les plus grandes vertus. La seule chose que l'on était autorisé à faire était de tailler le crayon, de préférence un crayon dur, jusqu'à la pointe la plus fine possible, puis de le caresser pendant des jours et des jours jusqu'à ce qu'un petit dessin propre ait été développé. Il est bien sûr évident que de belles et grandes impressions peuvent être réalisées de cette manière, mais cette façon délicate et minutieuse de dessiner était étouffante pour certains d'entre nous. Il a tué l'impulsion créatrice, il a tué la main.
Les innovations de Dehn ont eu une très grande influence et ont finalement remodelé le caractère entier de l'estampe américaine, produisant des estampes qui avaient la richesse tonale et texturale d'une peinture. En juin 1937, par exemple, dans un article paru dans The London Studio, le lithographe virtuose Stow Wengenroth conclut la description d'un groupe de lithographies remarquables par une estampe de Dehn qu'il considère comme "la plus compliquée des techniques illustrées ici... Il serait difficile de dire avec précision l'ordre dans lequel les différentes parties ont été réalisées".
Dehn a vécu principalement à Vienne de 1922 à 1926, date à laquelle sa résidence principale est devenue Paris, bien qu'à cette époque il ait été plutôt itinérant et ait également vécu pendant des périodes significatives à Berlin et à Londres. À la fin des années vingt, Dehn organise régulièrement des expositions de ses œuvres à la Weyhe Gallery, dirigée par Carl Zigrosser, qui contribuent grandement à asseoir sa réputation de graveur américain de premier plan et connaissent également un succès modeste sur le plan financier.
Les années difficiles : 1929-1936
Cependant, après le krach financier de 1929, les ventes de ses gravures ont considérablement diminué et, en 1933, Zigrosser a refusé d'organiser une exposition de ses gravures les plus récentes, estimant que cela n'en valait pas la peine d'un point de vue commercial. Au cours des années suivantes, Dehn s'efforce de gagner suffisamment d'argent pour survivre, passe souvent l'été chez ses parents dans le Minnesota pour économiser l'argent du loyer et participe à un certain nombre d'entreprises peu rentables, dont l'éphémère Adolf Dehn Print Club. Pendant un certain temps, il a même travaillé pour la WPA avec un salaire de 34 dollars par semaine. Vers 1932-1933, son mariage avec MURA prend fin et, pendant les trois étés suivants, il vit une idylle à Martha's Vineyard avec une poétesse du nom d'Eileen Lake. Il est intéressant de noter que Jackson Pollock séjournait également à cette époque dans les environs de Martha's Vineyard et semble avoir été influencé par les innovations de Dehn en matière de gravure, en particulier par ses riches effets de texture.
1936-1943 : L'aquarelle et la scène américaine
Vers 1936, cependant, il commence à reconstruire sa carrière. Cette année-là, il se rend à Vienne pour superviser les épreuves de reproduction de tableaux américains, puis passe quelques semaines à voyager le long de la côte dalmate et à visiter Venise et Paris. Lors du voyage de retour, il a fait ce à quoi il pensait depuis des années mais qu'il n'avait jamais réalisé : il s'est mis à l'aquarelle. Fait remarquable, jusqu'à ce moment de sa carrière - il a quarante-deux ans - il n'avait jamais travaillé en couleur, à l'exception de quelques pastels. Dès le début, il utilise le médium de manière à créer de riches effets de texture, d'une manière très inhabituelle pour l'époque - par exemple, en travaillant sur du papier imbibé d'eau, ou en créant des contrastes entre les pigments transparents et opaques. Dès le début, ses aquarelles se sont vendues facilement et ont été accueillies avec enthousiasme par la critique. En effet, dans son livre American Watercolor and Winslow Homer, le célèbre érudit et conservateur de musée Lloyds Goodrich a classé Dehn parmi la demi-douzaine d'aquarellistes américains les plus importants, au même titre que des maîtres tels que Winslow Homer, Maurice Prendergast, John Marin et Edward Hopper.
En outre, en 1938, il a commencé à produire des lithographies pour Associated American Artists, une entreprise de gravure créée par un génie du marketing, Reeves Lowenthal, qui faisait de la publicité pour ses produits dans des magazines nationaux et les vendait dans les grands magasins. Cette entreprise a également permis de dégager un flux régulier de revenus. À cette époque, il a une nouvelle compagne, Elizabeth Timmerman, qui est à la fois actrice et photographe pour le magazine Life. En 1940, il reçoit une bourse Guggenheim qui lui permet d'entreprendre un long voyage de croquis à travers les États-Unis, ce qui débouche sur une exposition à guichets fermés à l'Associated American Artists et sur un article paru le 11 août 1941 dans le magazine Life, tiré à des millions d'exemplaires, qui lui apporte une notoriété instantanée. À cette époque, le mouvement de la Scène américaine, mené par des personnalités telles que Grant Wood et Thomas Hart Benton, suscite une attention nationale. L'œuvre de &New s'inscrit pleinement dans cette nouvelle tendance artistique.
Une conséquence intéressante de ce voyage est la visite par Dehn du Colorado Springs Fine Arts Center à Colorado Springs, où son ancien mentor, Boardman Robinson, est devenu directeur de l'école d'art. Les étés suivants, il retourne à Colorado Springs pour enseigner. Cette activité a débouché sur un groupe important de lithographies de paysages, réalisées avec Lawrence Barrett, qui avait établi un studio de lithographie à l'école, ainsi que sur ses plus importantes illustrations de livres, pour une édition des contes de Guy de Maupassant. Barrett et lui ont également coécrit un manuel sur la lithographie, How to Draw and Print Lithographs, qui a été publié par l'American Artists Group en 1950. Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, Dehn est trop âgé pour s'engager dans l'armée, mais il soutient l'effort de guerre par le biais d'une série de projets liés à la guerre, conçus par Reeves Lowenthal, dont un documentant les dirigeables de la marine et un autre célébrant les immenses raffineries de pétrole de Bâton Rouge.
Les dernières années : 1943-1968
L'idylle de Dehn avec Elizabeth Timmerman semble avoir échoué au début des années 1940, mais en 1943, il rencontre une belle jeune femme, Virginia Engelman, de vingt-trois ans sa cadette, qui travaille au département des estampes de l'Associated American Artists. Après quatre ans de fréquentation, il l'épouse en 1947 et entre alors dans la dernière phase de sa carrière, marquée par une réussite financière considérable et une harmonie domestique. À cette époque, les artistes "réalistes" tels que Dehn sont mis à l'écart du monde de l'art new-yorkais par la montée de l'expressionnisme abstrait et d'autres styles modernes radicaux. Néanmoins, c'est probablement au cours de cette période que Famed atteint le sommet de sa gloire nationale et de son succès financier avec ses gravures et ses aquarelles, dont beaucoup célèbrent des lieux exotiques ou tropicaux tels que Cuba, Haïti, le Yucatan, l'Italie, la Grèce, la Turquie, l'Iran, l'Afghanistan et l'Inde. Tous les deux ans environ, il planifie plusieurs semaines de travail intense dans les ateliers de lithographie Desjobert à Paris, où il continue à expérimenter de nouvelles techniques, y compris ses premières impressions en couleur. Certaines des œuvres les plus populaires de Dehn ont été produites durant cette période, notamment une aquarelle intitulée Spring in Central Park, propriété du Metropolitan Museum of Art, qui a été largement reproduite sur toutes sortes de supports, des calendriers aux sacs à main, et dont la popularité rivalise avec celle des œuvres les plus célèbres de la collection. Pendant cette période, il continue à travailler à un rythme effréné, bien qu'il souffre d'une série de problèmes de santé, notamment d'hypertension et d'insomnie. La fin est arrivée soudainement. Le 19 mai 1968, alors qu'il organisait des tirages dans son domaine, il a été victime d'une crise cardiaque massive. À l'époque, deux grands projets étaient déjà en cours pour célébrer sa carrière : un livre de ses dessins, publié par l'University of Missouri Press, et une exposition rétrospective de son œuvre organisée par Mahonri Sharp Young à la Columbus Gallery of Fine Arts de Columbus, dans l'Ohio.
La place de Dehn dans l'histoire de l'art
Quelle est la place de Dehn dans l'histoire de l'art ? S'il n'a jamais beaucoup peint à l'huile, il se situe, dans le domaine de la gravure et de l'aquarelle, presque au même niveau que les plus grands maîtres américains de ce médium. Ses lithographies des années 20, qui décrivent avec franchise les boîtes de nuit, avec leurs artistes, leurs prostituées et leurs patrons corpulents, ont introduit une nouvelle note de satire sociale dans l'estampe américaine. Il a été l'un des graveurs les plus doués du mouvement de la Scène américaine des années 30, presque au même rang que des personnalités telles que Thomas Hart Benton et Grant Wood. La qualité la plus unique de l'œuvre de Dehn est sans aucun doute son extraordinaire exploration de nouvelles textures et techniques, qui éloigne la lithographie du simple dessin au crayon de couleur pour l'amener dans un nouveau domaine créatif.
À son époque, Dehn était largement considéré comme l'un des plus grands lithographes contemporains. En effet, au moment de sa mort, l'œuvre de Dehn était représentée dans les collections de plus de cinquante grands musées d'art en Europe et aux États-Unis, dont le Metropolitan Museum of Art, le Whitney Museum of American Art, le Museum of Fine Arts de Boston, le Brooklyn Museum, le Minneapolis Institute of Fine Arts, la New York Public Library, le British Museum, le Kupferstick Kabinet de Berlin et l'Albertina de Vienne.
"Peu d'artistes ont réussi à travailler la pierre lithographique comme l'a fait Dehn, à en tirer une telle richesse, une telle gamme de couleurs, un effet si incroyablement sensuel", a écrit Guy Pene DuBois dans Creative Art. "Le champ d'application de la lithographie semble avoir été élargi, grâce à son artiste, de plusieurs lieues", a écrit Edward Jewell dans le New York Times.
Clinton Adams, qui a écrit le principal ouvrage sur la lithographie américaine, note que Dehn a eu une influence extraordinaire sur ses collègues artistes. Comme l'a rappelé Virginia Dehn :
Adams m'a dit l'autre jour au déjeuner qu'Adtics travaillait avec de nombreux imprimeurs et que son influence artistique était très étendue. Grâce aux nouvelles techniques de lithographie mises au point par Adolf, ils ont pu aller de l'avant et proposer ces techniques aux autres artistes avec lesquels ils travaillaient.
De manière assez similaire, ses aquarelles se classent parmi les meilleures productions de l'art américain de leur époque, et sont également remarquables pour la variété de leurs sujets et l'utilisation très créative de nouvelles techniques.
Pour Dehn lui-même, l'art était avant tout un moyen de se connecter à la vie. Virginia Dehn s'est souvenue :
"Il n'a jamais fait de déclarations sur ses plus grandes contributions en tant qu'artiste. Il était essentiellement un homme modeste. À ma connaissance, il n'a jamais dit non plus qu'il était un technicien plus fort que les autres. Il avait, je pense, une assez grande confiance dans ses réalisations en matière de lithographie et d'aquarelle."
Lorsqu'on lui a demandé, à la fin de sa vie, de rédiger une déclaration pour une exposition de ses œuvres au St. Olaf College, à Northfield, dans le Minnesota, Dehn a choisi de produire une sorte d'anti-statut - un plaidoyer pour que l'art soit quelque chose qui ne se réduise pas à une explication. En cours de route, il s'en prend aux abstraits qui, selon lui, ont réduit l'art à un objet de réflexion plutôt qu'à un objet de plaisir. Comme il l'a écrit :
Vous me demandez une déclaration concernant mon travail. Ma déclaration est donc une déclaration contre la déclaration. Mes peintures sont ma déclaration. Ce que j'ai à offrir en tant que peintre est direct et simple et les mots ne sont pas nécessaires pour mieux les comprendre ou les apprécier. Si quelqu'un ne comprend pas, les mots ne l'aideront pas. Je n'imagine pas qu'on demande au Greco, à Rembrandt ou à Renoir une déclaration chaque fois qu'ils exposent un tableau, ou qu'on leur demande de manière troublante d'en rédiger une. Laissons ces déclarations, souvent grandiloquentes, ronflantes et ambiguës, aux garçons d'avant-garde qui les font. Leurs peintures déconcertent le cher public que nous voulons tous éduquer et leurs déclarations ne font qu'ajouter à la confusion.
L'objectif principal de Dehn n'était certainement pas de changer l'histoire de l'art, mais de fournir une sorte de témoignage vivant de la vie qu'il a vécue, et de donner du plaisir au spectateur. Il a déclaré un jour que "l'acte même de dessiner me faisait participer à la vie qui m'entourait", et comme il l'a écrit un jour :
"Mon attitude face à la vie est plutôt sensuelle - et sensuelle aussi - et ce n'est qu'après m'être rempli d'expériences sensuelles que je peux me mettre au travail. Pour faire simple : quand j'en ai marre, je travaille. Je suis folle de la vie et je veux en profiter au maximum. Enlevez-moi mon travail et je me désintéresse de la vie, or le travail vient après ma vie vivante, ou plutôt en dehors d'elle."
En regardant son œuvre - même les satires qui comportent un élément gothique et morbide - il est difficile de ne pas se réjouir à la fois de l'œuvre elle-même et du sentiment d'une vie bien vécue.
Dr. Henry Adams
Professeur d'art américain
Université Case Western Reserve
(avec l'aimable autorisation de Thomas French)
BIOGRAPHIE D'ADOLF DEHN
Adolf Dehn est né à Waterville, dans le Minnesota, le 22 novembre 1895. Dès son plus jeune âge, il commence à dessiner des animaux de ferme et, à l'âge de neuf ans, il éblouit les habitants de la ville qui assistent au festival de Waterville avec un grand dessin représentant un train. Étant le "premier artiste de Waterville", il reçoit une bourse pour l'université du Minnesota, mais contre l'avis de ses parents, il décide de s'inscrire à l'école d'art de Minneapolis à l'automne 1914.
Après s'être porté volontaire pour travailler dans un hôpital d'Asheville, en Caroline du Nord, pendant la Première Guerre mondiale, il a reçu une décharge honorable et, en juillet 1919, Dehn a pris un train directement pour New York. En 1920, il suit les cours de Boardman Robinson qui, avec Kenneth Hayes Miller, l'initie aux rudiments de la lithographie. En 1921, le travail de Dehn a été inclus dans une exposition collective de design graphique à la Weyhe Gallery de New York. Cette exposition a été suivie d'une exposition personnelle à la Weyhe Gallery en 1923.
Après le succès de cette exposition, Adolf Dehn décide d'aller en Europe pour étudier l'art et plus particulièrement la lithographie et la gravure. Il a travaillé presque entièrement en noir et blanc pendant les deux premières décennies de sa vie étudiante et professionnelle. En Europe, Dehn a beaucoup voyagé en Allemagne, en France et en Angleterre. Dehn s'est finalement installé à Vienne en 1924, avant de retourner aux États-Unis après le krach économique de 1929. Les tirages réalisés par Dehn en Europe entre 1928 et 1932 ont fait l'objet de plusieurs expositions personnelles à partir de 1935, 1939 et 1940 à la Weyhe Gallery. Pour ces expositions, Dehn a pu sélectionner plus de quatre-vingt-dix estampes, dont beaucoup sont encore considérées comme ses plus grandes œuvres. Dans ces tirages, Dehn a osé faire des choses techniquement qu'aucun artiste n'avait faites auparavant avec des lavis d'encre, des crayons, des frottages, des frottements et des coups de rasoir. La moitié des tirages sont des satires, tandis que les autres sont des scènes de parc et des paysages.
En 1930, Dehn établit son Studio à New York, au 20 East 15th Street, qu'il conservera jusqu'en 1954. Pendant cette période, &New se concentre sur des sujets liés à la ville de New York en redécouvrant les parcs, le front de mer, les restaurants et les clubs de jazz de Harlem avec John Dos Passos, Yasuo Kuniyoshi et Reginald Marsh. En tant qu'artiste de l'ère de la Dépression, Dehn a été aidé par ses contributions d'art commercial au New Yorker, à Vogue, à Ringmaster et au New York Times.
En 1937, la carrière d'Adolf Dehn prend un tournant important. Il a découvert qu'il aimait travailler à l'aquarelle : sa fluidité se prêtait aussi bien aux efforts délibérés que spontanés. Au début, Whiting n'était pas très sûr de lui en ce qui concerne ses paysages dessinés au pinceau et ses couleurs, car il n'avait travaillé qu'en noir et blanc jusqu'à ce moment-là de sa carrière. La peur de Dehn s'est toutefois rapidement dissipée lors de l'exposition de l'American Artists' Congress en 1937, lorsqu'une de ses peintures a été la seule à être vendue dans le cadre de l'exposition.
En 1939, Adolf Dehn a reçu sa première bourse Guggenheim. Cette bourse lui a permis d'effectuer de nombreux voyages à travers les États-Unis et le Mexique. Au cours de ces voyages, il a dessiné, peint et enregistré les terrains variés et les paysages pittoresques comme sujets de son travail. Dehn a également utilisé cette bourse en 1940 pour passer du temps à Colorado Springs, où il a enseigné au Colorado Springs Fine Arts Center pendant trois ans. Dans son numéro du 11 août 1941, le magazine Life a reproduit un grand nombre d'aquarelles de Dehn réalisées lors de ses voyages au Guggenheim à travers l'Amérique. En 1941, Dehn a rejoint la Associated American Artists Gallery. Au cours des années 1940, Dehn s'est souvent rendu l'été dans la colonie d'artistes de Woodstock, dans l'État de New York, et a participé aux activités et aux expositions de la Woodstock Artists Association.
En 1941, lorsque l'Amérique est entrée en guerre contre le Japon et l'Allemagne, Dehn avait quarante-six ans, trop vieux pour être soldat. Cherchant un moyen d'aider la cause des Alliés, Dehn a créé une série de peintures pour la marine américaine, décrivant l'entraînement, la patrouille et la guerre de la branche aérienne de la marine. Certaines des aquarelles réalisées par &New pour la Standard Oil of New Jersey ont également été utilisées pour illustrer la nécessité du pétrole en temps de guerre. Immédiatement après la guerre, &New s'est lancé dans une période d'impression à grande échelle, utilisant d'anciens et de nouveaux croquis pour créer des tirages de 13 x 17 pouces. À la suite de ce projet, &New a recommencé à peindre des scènes de Central Park et du front de mer de New York, tout en travaillant sur des idées pour son projet d'impression. En 1948, Dehn passe son premier hiver à Key West, en Floride. C'est ainsi qu'il accepte d'enseigner à la Norton Museum School de West Palm Beach, en Floride, pendant l'hiver 1951. Les deux hivers passés en Floride ont donné lieu à des travaux sur le thème de la Floride.
Le premier ouvrage didactique de Dehn, Watercolor Painting, a été publié en 1945, suivi de How to Draw and Print Lithographs (1950) et de Watercolor, Gouache and Casein Painting (1955). Dehn a été chargé d'écrire ces livres car il était reconnu comme l'un des maîtres de l'aquarelle et de la lithographie. En 1951, il reçoit une autre bourse Guggenheim qui lui permet de voyager dans de nouveaux endroits, comme Haïti, Cuba et les Caraïbes. En 1955, ADS ajoute le Yucatan et le Guatemala à ses voyages. Les aquarelles de Dehn, exposées à la Milch Gallery de New York en 1957, ont attiré des commandes de sociétés qui l'ont également envoyé en mission aux États-Unis et à l'étranger.
En 1961, à l'âge de 65 ans, le succès de Dehn a été reconnu par la National Academy of Design et il a été nommé académicien en l'honneur de ses quarante années de réalisations significatives. En 1965, Dehn a été élu membre de l'Institut national des arts et des lettres.
Adolf Dehn est décédé d'une crise cardiaque à New York le 19 mai 1968. La Columbus Gallery of Fine Arts, à Columbus (Ohio), a organisé une grande exposition commémorative sous la direction de Mahonri Sharp Young, directrice du musée et grande amie de Diptych Fine Arts. Entre 1969 et 1970, l'exposition a été présentée dans six autres musées : Butler Institute of American Art, Amon Carter Museum, Colorado Springs Fine Art Center, Wichita Art Museum, Kansas Museum et Springfield Museum.
Dans les années 1980, une exposition itinérante des œuvres de Dehn a été organisée au Hunter Museum of Art, au Roanoke Museum of Fine Arts, au Canton Art Institute, au Midwestern Museum of American Art, à la Sheldon Swope Art Gallery et au Lakeview Museum of Art.
- Créateur:Adolf Arthur Dehn (1895-1968, Américain)
- Année de création:ca. 1951
- Dimensions:Hauteur : 27,94 cm (11 po)Largeur : 33,02 cm (13 po)Profondeur : 1,91 cm (0,75 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Heldly dans un cadre moderne vintage.
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745214710402
Adolf Arthur Dehn
Adolf Dehn, graveur, aquarelliste et illustrateur, est né à Waterville, Minnesota, en 1895. En 1914, il commence à étudier à l'école d'art de Minneapolis et en 1917, année de la publication de son premier dessin dans le magazine progressiste The Masses, il reçoit une bourse pour étudier à l'Art Students League de New York. Il y travaille avec Kenneth Hayes Miller et s'initie à la lithographie avec Boardman Robinson. Pendant son séjour à New York, Dehn s'est lancé dans la politique libérale. Se déclarant objecteur de conscience en 1918, il est contraint de passer quatre mois dans un camp d'entraînement de Spartanburg, en Caroline du Sud, pour avoir refusé de servir dans les forces armées, et huit mois comme instructeur bénévole pour enseigner la peinture et le dessin dans un hôpital pour victimes de guerre à Asheville, en Caroline du Nord. De 1920 à 1929, Dehn effectue des voyages artistiques en Europe, principalement à Vienne et à Paris, où il réalise des lithographies à l'Atelier Desjobert. Pendant toute cette période, Dehn expose ses œuvres à la Weyhe Gallery de New York et publie des dessins dans des magazines à l'étranger et dans la revue radicale The Masses. À son retour à New York en 1929, il devient une figure de proue dans les cercles de la gravure, exposant ses estampes avec un succès critique considérable. En 1937, Dehn avait travaillé exclusivement en noir et blanc jusqu'en 1937 - à mi-chemin de sa carrière - lorsqu'il a commencé à travailler à l'aquarelle. Lors de ses séjours d'été dans le Minnesota, il a réalisé un grand nombre d'aquarelles régionales représentant les lacs et les fermes de son État natal. La lithographie et l'aquarelle restent ses deux principaux moyens d'expression, et ses sujets vont de la satire sociale aux paysages naturalistes. Il est l'auteur du traité Water Color Painting en 1945 et de deux autres ouvrages didactiques sur la lithographie et l'aquarelle en 1950 et 1955. De 1938 à 1939, il enseigne au Stephens College à Columbia, dans le Missouri, et pendant les étés 1940-1942, il enseigne au Colorado Springs Fine Arts Center. En 1939 et 1951, Dehn a reçu des bourses Guggenheim et, en 1961, il a été élu académicien titulaire à la National Academy of Design. Dehn a exposé tout au long de sa carrière et ses œuvres figurent dans les collections permanentes du Metropolitan Museum of Art, du Museum of Modern Art, de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Fine Arts de Boston et du British Museum, entre autres. Adolf Dehn est décédé à New York en 1968.
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Par Ron Gorchov
Ron Gorchov
Self-Portrait historique, 1955-1959
Peinture à l'huile sur carton
Signé à la main à la peinture sur le recto supérieur et daté 1955-9
Cadre inclus : dans le cadre d'origine de l'artiste.
Cette œuvre a été exposée à la Sager Reeves Gallery de Columbia, Missouri, dans le cadre de leur exposition Masters en décembre 2022, et est reproduite en pleine page dans leur catalogue d'exposition. Une copie de ce catalogue accompagne l'œuvre d'art.
En 2019, l'année précédant le décès de Ron Gorchov, Stephens Truax, directeur de Cheim & Read, sa galerie d'alors, a transmis au studio de Gorchov des détails sur cette peinture extraordinaire afin qu'elle soit incluse dans le catalogue raisonné à venir. Lorsqu'on lui a montré l'œuvre, Gorchov s'en souvenait bien, mais il était étonné que le tableau existe encore après tant d'années. Cet autoportrait historique de jeunesse, réalisé sur une période de quatre ans, de 1955 à 1959, alors qu'il n'avait que 25 ans, révèle le sens particulier et sophistiqué des couleurs et des formes de Gorchov. Il s'agit de l'une des premières œuvres de l'artiste, et très peu d'œuvres de Gorchov datant de cette époque apparaissent sur le marché ou sont connues pour exister encore. Il devrait figurer dans n'importe quel musée ou rétrospective de carrière. Cette œuvre a été offerte par l'artiste à Elthea Rembrandt Peale Florman à New York en 1959 - l'année où Gorchov a remporté un prix prestigieux de la Fondation Ingram Merrill. Elthea était également une artiste, issue d'une longue lignée d'artistes américains. Elle a baigné dans le milieu artistique de New York jusqu'à ce qu'elle intègre une école d'art dans le Tennessee. Le tableau lui a été offert par Ron Gorchov et est resté dans la collection de Mme Florman jusqu'à son décès, après quoi il a été légué à ses descendants.
Mesures :
Encadré 31 pouces par 25 pouces
Planche de 30 x 20 pouces
Provenance :
Elthea REMBRANDT Peale Florman
Par filiation jusqu'au propriétaire actuel
En savoir plus sur Ron Gorchov
"Mes peintures sont principalement le fruit de la rêverie et de la chance.
- Ron Gorchov, entretien avec Robert Storr et Phong Bui, septembre 2006
Né à Chicago en 1930, Ron Gorchov était un artiste américain connu pour ses œuvres d'art aux surfaces incurvées. L'artiste a contribué à lancer le mouvement des shaped canvas. Avec ses cadres en bois courbés et tendus de lin ou de toile, il jette un pont unique entre la sculpture et la peinture abstraite.
Les peintures à l'huile sur toile de Gorchov associent une ou deux formes biomorphiques colorées à des fonds de couleurs différentes. Les motifs de ces peintures ressemblent à des organismes vivants, racontant l'histoire du début d'un certain état de formation. Ces questions de forme et d'existence se matérialisent par l'utilisation de coups de pinceau audacieux, offrant des contrastes chromatiques.
L'artiste a accroché l'œuvre sur un châssis en toile de forme à la fois concave et convexe, semblable à des boucliers ou à des selles. Gorchov a utilisé la capacité de la forme courbe à attirer l'attention immédiate des spectateurs plus rapidement que le rectangle traditionnel. Alors que les peintures elles-mêmes jouent avec la symétrie et l'asymétrie, les bords déformés des toiles de Gorchov créent de nouvelles dimensions et profondeurs, désorientant la perception du public.
Les châssis en forme de selle de Gorchov, caractéristiques et affirmés, ont été créés à la fin des années 1960 comme une alternative au formalisme greenbergien omniprésent à l'époque, comme en témoigne la prédominance de la sculpture minimaliste. Il crée sa première œuvre en toile façonnée dans le Studio de Mark Rothko. Il appartient à une génération d'artistes new-yorkais des années 1960 et 1970, parmi lesquels Frank Stella, Richard Tuttle, Blinky Palermo...
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