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John Chamberlain
John Chamberlain, signierte Western Union cable re: Skulpturenausstellung bei Leo Castelli, signiert
1982

Name: John Chamberlain, signierte Western Union cable re: Skulpturenausstellung bei Leo Castelli, signiert
Brand: John Chamberlain
Price: 2970.78 CHF
Availability: InStock
Rating: 5 (61 reviews)

Angaben zum Objekt

John Chamberlain Handsignierter Brief zu: Leo Castelli Ausstellung, 1982 Schreibmaschine auf Papier (handsigniert) 6 1/2 × 8 1/2 Zoll Handsigniert vom Künstler, Signiert mit violettem Filzstift Der handschriftlich unterzeichnete Brief bezieht sich auf Chamberlains Ausstellung in der legendären Leo Castell Gallery. Ein Stück Geschichte! John Chamberlain Biografie John Chamberlain (1927 - 2011) war ein typisch amerikanischer Künstler, der die Innovationskraft der Nachkriegszeit in eine sechs Jahrzehnte umspannende, unermüdlich erfinderische Praxis umsetzte. Bekannt wurde er zunächst durch Skulpturen, die er in den späten 1950er bis 1960er Jahren aus Autoteilen fertigte - bahnbrechende Werke, die die gestische Energie der Malerei des Abstrakten Expressionismus effektiv in drei Dimensionen transformierten. Chamberlains Kompositionen aus gedrehtem, zerkleinertem und geschmiedetem Metall, die von der Miniatur bis zur Monumentalität reichen, überbrückten auch die Kluft zwischen Prozesskunst und Minimalismus und brachten die Grundzüge beider Richtungen in eine neue Verwandtschaft. Mit diesen einzigartigen Werken etablierte er sich als einer der ersten amerikanischen Künstler, der die Farbe als natürlichen Bestandteil der abstrakten Skulptur definierte. Von den späten 1960er Jahren bis zu seinem Lebensende nutzte Chamberlain das Ausdruckspotenzial einer erstaunlichen Bandbreite von Materialien, die von Plexiglas, Harz und Farbe bis hin zu Schaumstoff, Aluminiumfolie und Papiertüten reichten. Nachdem er während des Zweiten Weltkriegs drei Jahre in der US-Marine verbracht hatte, schrieb sich Chamberlain am Art Institute of Chicago und am Black Mountain College ein, wo er die kritischen Grundlagen für seine Arbeit entwickelte. Chamberlain lebte und arbeitete in vielen Teilen der Vereinigten Staaten und pendelte zwischen New York City, Long Island, Los Angeles, Santa Fe, Connecticut und Sarasota, bevor er sich schließlich auf Shelter Island niederließ. In vielerlei Hinsicht hat jeder Ort eine eigene MATERIAL-Sensibilität hervorgerufen, die oft durch die Verfügbarkeit des Materials oder die räumlichen Gegebenheiten bestimmt wurde. In New York City holte Chamberlain Altmetall und zwölf Zoll große Akustikplatten von der Decke seines Studios. In Los Angeles entschied er sich 1965 für Urethan (ein Material, das er schon seit vielen Jahren in Erwägung gezogen hatte) und 1968 für Film in Mexiko. 1972 kehrte er schließlich zum Metall zurück, und in Sarasota erweiterte er den Maßstab seiner Werke, um seine ikonischen Gondeln (1981 - 1982) herzustellen. Die Bewegung des Künstlers und die anschließende Entwicklung des Werks sind nicht nur Ausdruck einer Art amerikanischer Rastlosigkeit, sondern auch der persönlichen Entwicklung Chamberlains: Er beschrieb seine Verwendung von Automaterialien manchmal als skulpturale Selbstporträts, die von der für den Künstler selbst charakteristischen Ausgewogenheit und Rhythmik durchdrungen sind. Chamberlain weigerte sich, die Farbe von seiner Praxis zu trennen und sagte: "Ich habe nie an Skulptur ohne Farbe gedacht. Siehst du etwas, das keine Farbe hat? Leben Sie in einer Welt ohne Farben?". Er würdigte und bewertete die Farbe in seiner Praxis - in seinen frühen Skulpturen wurde die Farbe nicht hinzugefügt, sondern aus der bereits vorhandenen Palette der von ihm ausgewählten Autoteile komponiert. Später, im Jahr 1974, begann Chamberlain, Metall mit Farbe zu versehen, indem er Farbe und Lack auf seine Metallteile tropfte, sprühte und manchmal auch sandstrahlte, bevor er sie integrierte. Bei seinen Werken aus Polyurethanschaum war die Farbe eine Variable des Lichts: ultraviolette Strahlen oder Sonnenlicht verwandelten das Material von weiß in bernsteinfarben. Es war diese tiefgreifende visuelle Wirkung, die die persönliche abstrakte expressionistische Handschrift des Künstlers in die industrielle dreidimensionale Skulptur brachte. Chamberlain bewegte sich nahtlos zwischen Maßstab und Volumen und schuf in den 1970er Jahren Materialexplorationen in monumentaler, schwerer, bemalter Aluminiumfolie und später in den 1980er und 1990er Jahren Miniaturen in bunter Aluminiumfolie und chromfarbenem Stahl. Im Mittelpunkt von Chamberlains Arbeiten steht die Vorstellung, dass eine Skulptur ein hohes Maß an Gewicht und Körperlichkeit besitzt und den Raum, den sie einnimmt, stört. In der Serie Barges (1971 - 1983) fertigte er riesige Schaumstoffsofas an, die den Betrachter dazu einladen, sich auf der gepolsterten Landschaft zu entspannen. Am Ende seiner Laufbahn verlagerte Chamberlain seine Arbeit ins Freie und schuf durch eine Reihe von entschlossenen Experimenten schließlich leuchtende, bonbonfarbene Skulpturen aus gedrehter Aluminiumfolie. Im Jahr 2012 wurden vier dieser Skulpturen vor dem Seagram Building in New York gezeigt, begleitet von verspielten Titeln wie "PINEAPPLESURPRISE" (2010) und "MERMAIDSMISCHIEF" (2009). Diese letzten Werke veranschaulichen Chamberlains lebenslanges Engagement für den Wandel - seiner Materialien, seiner Praxis und folglich auch der amerikanischen Kunst. Chamberlain war Gegenstand zahlreicher Einzelausstellungen, darunter zwei große Retrospektiven im Solomon R. Guggenheim Museum in New York NY in den Jahren 2012 und 1971; "John Chamberlain, Squeezed and Tied. Schaumstoff- und Papierskulpturen 1969-70", Dan Flavin Art Institute, DIAS Center for the Arts, Bridgehampton NY (2007); "John Chamberlain. Schaumstoffskulpturen 1966-1981, Fotografien 1989-2004", Chinati Foundation, Marfa TX (2005); "John Chamberlain. Current Work and Fond Memories, Sculptures and Photographs 1967-1995", Stedelijk Museum, Amsterdam, Niederlande (Wanderausstellung) (1996); und "John Chamberlain. Skulpturen, 1954-1985", Museum of Contemporary Art, Los Angeles CA (1986). Chamberlains Skulpturen sind Teil von Dauerausstellungen in der Chinati Foundation in Marfa TX und bei Dia:Beacon im Bundesstaat New York. 1964 vertrat Chamberlain die Vereinigten Staaten im amerikanischen Pavillon auf der 32. internationalen Ausstellung der Biennale von Venedig. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter einen Doctor of Fine Arts, honoris causa, vom College for Creative Studies, Detroit (2010); die Distinction in Sculpture Honor vom Sculpture Center, New York (1999); die Goldmedaille des National Arts Club Award, New York (1997); den Lifetime Achievement Award in Contemporary Sculpture vom International Sculpture Center, Washington D.C. (1993); und die Skowhegan Medal for Sculpture, New York NY (1993). -Mit freundlicher Genehmigung von Hauser & Wirth Leo Castelli Leo Castelli wurde 1907 in Triest geboren, einer Stadt an der Adria, die zu jener Zeit der wichtigste Hafen der österreichisch-ungarischen Monarchie war. Leos Vater, Ernest Kraus, war Regionaldirektor der größten Bank Österreich-Ungarns, der Kreditandstalt; seine Mutter, Bianca Castelli, war die Tochter eines Triestener Kaffeehändlers. Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 siedelte die Familie Kraus nach Wien über, wo Leo seine Ausbildung fortsetzte. Ein besonders denkwürdiger Moment in dieser Zeit war für Leo das Begräbnis von Kaiser Franz Joseph, dem er im November 1916 beiwohnte. Leo und seine Familie kehrten nach dem Ende des Krieges 1918 nach Triest zurück. Mit dem Zerfall der österreichisch-ungarischen Monarchie nahm Triest seine neue italienische Identität an. Aus diesem Grund beschloss Ernest, den italienisch klingenden Mädchennamen seiner Frau, Castelli, anzunehmen, den auch seine Kinder annahmen. Die Rückkehr der Castelli nach Triest nach dem Krieg bedeutete in vielerlei Hinsicht einen optimistischen Neuanfang für die Familie. Ernest wurde zum Direktor der Banca Commerciale Italiana ernannt, die die Kreditandstalt als führende Bank in Triest abgelöst hatte. Diese gehobene Position ermöglichte es Ernest und Bianca, einen kosmopolitischen Lebensstil zu pflegen. Gemeinsam veranstalteten sie häufig Partys, die sie in Kontakt mit einer Reihe von Persönlichkeiten aus Politik, Wirtschaft und Kultur brachten. Das Aufwachsen in einem solchen Umfeld förderte bei Leo und seinen beiden Geschwistern Silvia und Giorgio eine starke Wertschätzung der Hochkultur. Während dieser Zeit entwickelte Leo eine Leidenschaft für moderne Literatur und perfektionierte seine Sprachkenntnisse in Deutsch, Französisch, Italienisch und Englisch. Nachdem er 1932 sein Jurastudium an der Universität Mailand abgeschlossen hatte, begann Leo sein Erwachsenenleben als Versicherungsagent in Bukarest. Obwohl Leo die Arbeit als wenig erfüllend und langweilig empfand, machten die Menschen, die er in Bukarest kennenlernte, dieses Manko wett. Einer der wichtigsten Bekannten Leos in dieser Zeit war der bekannte Geschäftsmann Mihail Shapira. Leo freundete sich schließlich mit den übrigen Mitgliedern der Familie Shapira an und heiratete 1933 Mihails jüngste Tochter Ileana. Im Jahr 1934 zogen Leo und Ileana nach Paris, wo Leo dank des Einflusses seines Stiefvaters eine Stelle in der Pariser Branch der Banca d'Italia erhielt. Im selben Jahr lernt Leo den Innenarchitekten René Drouin kennen, der sein enger Freund wird. Im Frühjahr 1938 stießen Leo und René bei einem Spaziergang über den Place Vendôme auf ein zu vermietendes Ladenlokal zwischen dem Hotel Ritz und einer Schiaparelli-Boutique. Der Raum beeindruckte sie sofort als idealer Standort für eine Kunstgalerie, ein Plan, der im folgenden Frühjahr 1939 Wirklichkeit wurde. Die Galerie Drouin eröffnete mit einer Ausstellung von Gemälden und Möbeln surrealistischer Künstler wie Léonor Fini, Augene Berman, Meret Oppenheim, Max Ernst und Salvador Dali. Trotz des Erfolgs dieser ersten Ausstellung war die Galerie nur von kurzer Dauer. Der deutsche Überfall auf Polen am 1. September 1939 markiert den Beginn des Zweiten Weltkriegs und damit das vorläufige Ende der Drouin-Galerie. René wurde zum Dienst in der französischen Armee einberufen, während Leo, Ileana und ihre dreijährige Tochter Nina in die relative Sicherheit von Cannes zogen, wo Ileanas Familie ein Sommerhaus besaß. Als der Krieg eskalierte, wurde klar, dass Europa für die Familie Castelli nicht mehr sicher war - Leo und Ileana waren beide Juden. Im März 1941 flohen Leo, Ileana und Nina nach New York und nahmen Ninas Krankenschwester Frances und ihren Hund Noodle mit. Nachdem die Familie ein Jahr lang durch die Stadt gezogen war, ließ sie sich in der East 77 Street 4 in einem Stadthaus nieder, das Mihail gekauft hatte. Neun Monate nach seiner Ankunft in New York, im Dezember 1943, meldete sich Leo freiwillig bei der US-Armee, was seine Einbürgerung als US-Bürger beschleunigte. Aufgrund seiner Sprachkenntnisse wurde Leo dem U.S. Army Intelligence Corp. zugeteilt, eine Position, die er zwei Jahre lang, bis Februar 1946, innehatte. Während seines Militärurlaubs im Jahr 1945 besuchte Leo Paris und hielt in der Galerie am Place Vendôme, wo René erneut ein Geschäft eröffnet hatte, in dem er Werke europäischer Avantgarde-Künstler wie Jean Dubuffet und Jean Fautrier verkaufte. Durch dieses Treffen wurde nicht nur die Freundschaft zwischen René und Leo wiederbelebt, sondern auch das Interesse des letzteren am Kunsthandel geweckt, den Leo nicht mehr nur als Hobby, sondern als mögliche Karriere ansah. Nachdem sie sich wieder zusammengefunden hatten, beschlossen die beiden Freunde, wieder eine Partnerschaft einzugehen, wobei Leo als New Yorker Vertreter für die Drouin Gallery fungierte. In dieser Funktion begann Leo, Beziehungen zu einigen der einflussreichsten Persönlichkeiten der New Yorker Kunstwelt aufzubauen, darunter Peggy Guggenhiem, Sydney Janis, Willem De Kooning und Jackson Pollock. In den späten 40er Jahren lockerte sich Leos Beziehung zu René Drouin, während sich sein Bündnis mit dem Händler Sydney Janis festigte. Janis eröffnete 1948 seine New Yorker Galerie und lud Leo 1950 ein, eine Ausstellung mit zeitgenössischen französischen und amerikanischen Künstlern zu kuratieren. Die Ausstellung stellte eine wichtige Verbindung zwischen der ehrwürdigen Tradition des europäischen Modernismus und den aufstrebenden Künstlern der New York School her. Nicht lange danach, im Jahr 1951, wurde Leo von denselben Künstlern der New Yorker Schule gebeten, die bahnbrechende Ninth Street Show zu organisieren. Diese Ausstellung trug maßgeblich dazu bei, den Abstrakten Expressionismus als herausragende Kunstbewegung der Nachkriegszeit zu etablieren. Leo gründete 1957 seine eigene Galerie und verwandelte das Wohnzimmer im vierten Stock des Stadthauses in der 77th Street in einen Ausstellungsraum. Der vielleicht entscheidendste Moment in Leos Karriere ereignete sich später in diesem Jahr, als er zum ersten Mal die Studios von Robert Rauschenberg und Jasper Johns besuchte. 1958 gab Leo Johns und Rauschenberg im Januar bzw. März Einzelausstellungen. Für Johns war dies die erste Einzelausstellung seiner Karriere. Diese Ausstellungen fanden großen Anklang bei der Kritik und festigten Leos Ruf nicht nur als Händler, sondern auch als Vermittler einer neuen und wichtigen Kunstbewegung. Im Laufe der 1960er Jahre spielte Leo eine prägende Rolle beim Start der Karrieren vieler der bedeutendsten Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts, darunter Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenberg, Cy Twombly, Donald Judd, Dan Flavin, Robert Morris, Bruce Nauman, Richard Serra, Joseph Kosuth und Lawrence Weiner. Durch seine Unterstützung dieser Künstler trug Leo ebenfalls dazu bei, die Bewegungen des Pop, des Minimalismus, der Konzeptkunst und des Post-Minimalismus zu kultivieren und zu definieren. Als das Geschäft im Laufe der 60er Jahre expandierte und sich die künstlerischen Trends zugunsten größerer Kunstwerke verschoben, erkannte Leo, dass seine Stadthausgalerie nicht ausreichte, um diese neuen Anforderungen zu erfüllen. Bezeichnend für den Trend zur Maximalkunst war die Ausstellung von James Rosenquists bahnbrechender Installation F-111 im Jahr 1964 in der Galerie. Dieses mehrtafelige, wandfüllende Werk, das von Plakatwerbung inspiriert ist, füllte die vier Wände der Galerie 4 East 77 aus, so als ob es den Raum durch seine schiere Größe und Dynamik erweitern wollte. Der Aufschwung dieser Art von Kunst veranlasste Leo 1968, ein Industrie-Loft in Harlem zu erwerben, das als Castelli Warehouse bekannt wurde. Während er in der Galerie in der 4 East 77th Street weiterhin intimere Ausstellungen abhielt, wurde das Lagerhaus zu einem Raum für die Präsentation von Werken der neuen Medien wie Robert Morris' Continuous Project Altered Daily (1969) und Keith Sonniers Dis-play II (1970). Die Expansion der Galerie setzte sich in den 1970er Jahren mit der Einrichtung eines neuen Standorts in Soho am 420 West Broadway fort. Wie im Falle des Warenlagers war auch dieser Umzug in erster Linie durch Leos Wunsch motiviert, die Bedürfnisse zu befriedigen, die sich aus den neuen künstlerischen Entwicklungen ergaben. Diesmal reagierte Leo jedoch auf die Welle der experimentellen Performance-Kunst und Musik, die in den 70er Jahren New York überschwemmte und vor allem von Künstlern in den Downtown-Vierteln der Stadt vorangetrieben wurde. Leo überschnitt sich mit dieser neuen Strömung in der Kunst, indem er Performances von verschiedenen Künstlern wie Joan Jonas, Poppy Johnson, Richard Landry und Philip Glass veranstaltete. Das Wachstum der Castelli Gallery setzte sich in den 80er und 90er Jahren fort. 1980 eröffnete Leo eine zweite Filiale in SOHO, 142 Greene Street. Nach der Schließung des Castelli Warehouse im Jahr 1971 wurde dieser neue Raum zum Hauptausstellungsort der Galerie für großformatige Werke. Eine der bemerkenswertesten Ausstellungen in diesem Raum war Roy Lichtenstiens Greene Street Mural, die am 3. Dezember 1983 eröffnet wurde. Für dieses beispiellose Projekt malte Lichtenstein das 18 x 96 ½ Fuß große Wandbild direkt auf die Wände der Galerie. Als die Ausstellung im Januar 1984 geschlossen wurde, wurde das Werk zerstört. Im Laufe seiner Karriere, bis zu seinem Tod am 22. August 1999, unterhielt Leo enge Arbeitsbeziehungen zu Künstlern, deren Karriere er mitgestaltet hatte und die ihrerseits zu seiner eigenen Karriere als Händler beitrugen. Vor allem Jasper Johns, Roy Lichtenstein und Bruce Nauman sind drei Künstler, die Leo entdeckte und die bis zu seinem Tod in der Galerie blieben. Dieser Schwerpunkt auf der langfristigen Zusammenarbeit mit Künstlern spiegelt sich auch in den vielen großzügigen Schenkungen von Kunstwerken wider, die Leo an hochkarätige Museen wie das Museum of Modern Art gemacht hat. Diese Schenkungen zeugen von Leos großem Interesse daran, nicht nur den kurzfristigen Wert von Kunst als Ware zu kultivieren, sondern den kulturellen Wert dieser Werke für alle Zeiten zu sichern. -mit freundlicher Genehmigung von Castelli

Schöpfer*in:
John Chamberlain (1927, Amerikanisch)
Entstehungsjahr:
1982
Maße:
Höhe: 16,51 cm (6,5 in)Breite: 21,59 cm (8,5 in)
Medium:
Tinte,Lithografie,Versatz
Bewegung und Stil:
Abstrakter Expressionismus
Zeitalter:
1980–1989
Zustand:
Sehr guter Vintage-Zustand.
Galeriestandort:
New York, NY
Referenznummer:
1stDibs: LU1745215030052

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